简介：

简介：唐代是一个辉煌的时代,人物画在唐代中晚期出现鼎盛。随着题材不断拓展,人物画的社会功能也发生变化,特别是仕女画的出现是一个重要的标志。唐代人物画的主要社会功能的变化是由时代特点和美术自身的内在发展规律造成的。

简介：唐代绘画艺术能广泛吸收外来营养融于自身，使其按自身规律发展；张萱和周昉是当时较为典型的两位画家，流传下来的作品面貌完整、色彩至今基本未变。通过研究这两位画家及其作品，我们能对唐代人物画的全貌有一个大致了解并对当代画家有所启迪。

简介：在中国绘画史的长河中,唐代是人物画发展的高峰,这离不开前代画家、美术理论家的努力与丰富繁多的绘画作品的铺垫,尤其是“以形写神”理论。远古时期,庖羲氏观象于天,取法于地,始作《易》八卦,被认为是艺术的起源。从先秦两汉时期许多哲学家已经对“形神”概念作出了一些讨论,这为顾恺之提出“以形写神”奠定了基础,为后期人物画理论和实践产生深远影响。本文主要探讨“以形写神”理论的发展和对唐代人物画的影响。

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简介：中国现代人物画从开始出现到现到现在在仅短短半个多世纪，已显示出作为新生艺术的勃勃生机，究其原因，就在于它已融进了现代意识，符合现代人的审美观念，满足了现代人的审美期待视野。然而，现代人物画如何更进一步在继承传统的基础上创新和发展，如何完成从古典形态到现代形式与内涵的转变。

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简介：李公麟的白描呈现为奇巧婉约的小趣味,注重向内沉潜、表现内敛之力,体现了宋代人物画的审美风尚。李公麟的贡献,不仅是简单地完成了一种线描创作形式的创造,更在于他完成了一种可以取代宗教的、政治的、新的审美风尚,使人物画从此进入到新的领域。

简介：一引言由于计算机及网络技术的普及,文献类历史数据库的便捷性、整合性和全面性,历史学者在研究中使用数据库的情况日渐普遍。作为搜集史料的一种方法,历史学者一般能熟练地在各种全文数据库进行关键词检索,尤其是把古籍材料变成电子文本的数据库。然而,对于其他可用于研究的数据库,大多数学者是陌生的。

简介：徐复观先生认为中国文化最基本的特性是＂心的文化＂。中国文化以为人生价值的根源在人自己的＂心＂,中国文化中说的＂心＂,指的是人的生理构造中的一部分,在心的这一部分所发生的作用,认定为人生价值的根源所在。徐复观说＂孟子、庄子、荀子及禅宗所说的心，是通过一种修养工夫，使心从其他生理活动中摆脱出来，以心的本来面目活动，

简介：结构主义理论认为：太阳底下没有新鲜事。一切新事物都是旧材料的新配合，或者是旧事物的新变数。所以，“新创”离不开“旧范”，“旧范”就是“传统”，需要继承和借鉴，这是常识。而唯其是常识，人们容易不假思索地接受，来不及体验它。于是，鲜活的感觉被弃置不顾，继承与借鉴就成了一句空话。

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简介：我从事中国人物画创作十余载，深知生活是一切文艺创作的源泉，要搞创造，必须竭尽所能扩大自己的生活经验的积累，这当中包括有直接的和间接的。在积累生活经验搜集素材时，要有主次即有重点。因为人的一生经历是有限的，而人类历史的长河汇集的知识海洋是无限的。在生活中有时我们看到的一鳞半爪、听来的只言片语，也许当时并不一

简介：<正>唐勇力(主持人,中央美术学院中国画学院副院长):各位朋友,中央美术学院中国画学院人物画教研室、鲁迅美术学院中国画人物工作室人物画教学座谈会现在开始!首先介绍一下特别邀请的理论家:中国美术馆研究员刘曦林先生、

简介：中西方绘画存在相通之处的同时也存在巨大差异。本文主要从造型、线条、色彩方面将中国工笔人物画与西方人物画进行对比分析。

简介：中国传统绘画在华夏几千年古老文明的环境中孕育、产生和嬗变,并形成独特的以线条创造事物的美的表征,体现了中华民族的聪慧与创造力。从新石器时代彩陶上的舞蹈人物、动物、狩猎图案,到春秋战国时期青铜器上的饕餮兽面、凤鸟蟠龙等纹饰,无不是线的元素构成了多彩的世界。在绘画美学形成方面,东晋顾恺之的《论画》和南朝齐谢赫的《古画品录》,当是最早较为完备的画学文献,虽然他们都未直接论及＂线条＂的情况,但各自讨论的＂传神＂、＂骨法＂和＂气韵生动＂等美学问题。

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简介：中国古代人物画长卷狭长的幅面形制、表现内容、构图原则和移动式的阅读方式决定着它具有很强的时间特征，也因之形成了其独特的“拟影像性”艺术特点。考察并比较中国古代人物画长卷在视觉程式、视觉修辞区隔单元、宏大场面的处理方法和“诗书画印”的协同关系对应于电影艺术在影像场面调度，影像“帧”、宏大场面的影像技巧和电影综合语言互补关系之间的类同性，可以初步总结出中国古代人物画长卷对电影镜语特色的借鉴价值。

简介：摄影术作为一种利用机器来记录视觉画面的方式,它一经产生便预示着一个图像时代的到来。在今天,大量充斥于日常生活中的图像不仅仅无孔不入地侵入人类生存的物质空间,而且也在深刻地改变看人类的精神生活和思维模式,摄影家们早已从技术的实验者变身为艺术的创造者。从摄影术诞生后对绘画图式的借鉴到20世纪以来绘画不断直接或间接地挪用越来越科技化的摄影图像,我们不得不面对这样的思考:摄影与绘画除了材质上的区别外,是否还应该更明确地定义各自的边界?绘画,作为之前唯一的图像制作方式,在其固有的再现、记录、叙事、宣传等诸多功用,因为摄影术的优势而不得不予以转让后,它还剩下些什么?为此,本期我们邀请到几位长期关注图像时代摄影与绘画发展的青年学者撰文,在本栏目展开讨论,以飨读者。